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El Barbero de Sevilla – Critica
Escrita en sólo meses, cuando el compositor tenía 23 años, la eterna comedia de Rossini vuelve al escenario del Teatro Avenida en una puesta combinada, entre moderna y clásica, de Juventus Lyrica. Dir musical Hernán Sánchez Arteaga y regie Ana DAnna
 
 
 

30.junio.2013

Il barbieri di Seviglia, obra teatral de la trilogía escrita por Pierre-Augustin de Beaumarchais y hecha ópera por Giovanni Paisello en 1782, todavía vivía en los oídos del público cuando Rossini decidió re-hacerla (con nombre cambiado) y ofrecer una contra propuesta a lo establecido hasta ese momento. Cuando estrenó esta pieza en 1816, en el teatro Argentina de Roma, Rossini desafiaba muchas reglas, rompía varios marcos de referencia bien establecidos y también atacaba el recuerdo de la historia de la obra. Esta ópera bufa, un género que sumado al entretenimiento musical, debe hacerlo por medio de la comedia, encuentra sin dudas en El Barbero de Sevilla de Rossini su expresión máxima.

La historia cuenta que el doctor de la ciudad tiene bajo su tutela a una bella dama. Un joven noble la pretende y la ha perseguido hasta Sevilla. Esto Podría ser una típica historia de conquista complicada, si no fuera porque el tutor también pretende a la bella dama. Para bien de la historia, el factótum del pueblo, el barbero (que por aquellas épocas realizaban literalmente casi cualquier operación que requiriera algo afilado), es conocido de nuestro héroe, y está dispuesto a ayudarlo.

Rosina (Mariana Carnovali), hermosa doncella que El Conde de Almaviva (Ivan Maier) pretende conquistar, es pupila de Bartolo (Alberto Jáuregui Lorda) y muestra interés por el conde aunque desconoce su verdadera identidad. Se trata de un amor imposible ya que el tutor no sólo planea casarse con ella sino que además, la mantiene encerrada en su casa, accediendo de vez en cuando a las clases de música de Basilio (Maximiliano Michailovsky). Este cuarteto es responsable del grueso de todo lo que se canta y si bien las interpretaciones fueron en su mayoría correctas, lo perfecto vino luego de la entrada en calor de la primera escena. Carnovali, con su sonrisa hipnótica de doncella, encantó a los personajes y al público mientras héroe y antagonista (Jáuregui y Maier) se disputaban a la damisella con un muy elegante “tire y afloje” de caudal de voz. Las interpretaciones actorales son dignas de destacar, especialmente la de Jáuregui en su papel de castrador enamorado de baja moral.

La elección de Gabriel Carasso para el papel de Fiorello (el sirviente de Almaviva quien en el inicio de la obra prepara la serenata con la cual el enamorado intenta conocer cara a cara a su amor) es, sin cuestionamientos, una desición perfecta. Al ser este un papel de participación tan breve, con muy buen tino las capacidades actorales de Carasso se muestran también en un papel adicional, Ambrogio, que si bien no canta más que un “¿Eh?”, participa del escenario permanentemente.

La entrada de Fígaro en el primer acto, luego de la serenata inicial, es uno de los momentos más conocidos a lo ancho del universo de la Ópera. Allí precisamente se ve la importancia de la interpretación de Armando Noguera. Ahí donde quizás ya no haya nada extra para proponer, este barítono argentino que reside en París, regaló frescura, corazón y cuerpo. Quizás por la impronta particular sea que se dice que Fígaro es su especialidad (algo que el propio Noguera admite como una exageración de la prensa ya que según él “es difícil hacer una especialidad de un personaje que nunca sale igual”), o quizás sea porque encarnó el personaje ya cinco veces. Sin importar el motivo, la interpretación de Noguera fue brillante. Sin miramientos. Perfecto en lo vocal, y a pesar de eso, original. Carismático en el escenario al punto de que era muy difícil dejar de observarlo a pesar de que la acción (¡y el canto!) estaban en un lugar diferente del escenario. (Es que se sabe, encontrar un artista tan completo como Noguera, un cantante tan dado para la actuación y hábil para el baile, es infrecuente. Y lo es más incluso, que la suma de sus talentos encuentre un encastre tan armónico y perfecto con el personaje que encarna, un barbero descontracturado, simpático y pícaro, dispuesto a entregarle al público sus tantas maravillas.)

En todo momento la energía del maestro Hernán Sanchez Arteaga llegó sin interferencia desde el foso. La orquesta fue cómplice, acompañamiento y protogonista de manera exacta y justa. A esta altura vale decir que la relación entre los músicos de Juventus Lyrica y el personaje de Carasso, siempre sutil y puntual, es algo que desde la platea se espera con impaciencia.

Completando la puesta, el coro multitudiario hace especialmente atractivos tres momentos de la trama que de otra forma resultan puramente musicales. Las coreografías elegidas por Ana D¨Anna fabricaron un final de primer acto con una fantástica situación enredada y cómica, como se espera del género.

Con la intención de tirar puentes que acorten distancias en tiempo y espacio, resulta interesante mencionar una línea respecto de la primera representación de El barbero. En horas de estreno, Rossini deicidió pedir disculpas por anticipado en el programa de esa noche, dado que se estaba faltando a la memoria de una pieza de Paisello que aún se presentaba con éxito. El Barbero estrenó en 1816 con un nombre diferente (Almaviva, o la Precaución Inútil) por este y otros motivos. La ironía fue que la propia disculpa terminó siendo una precaución inútil ya que la presentación fue un fracaso y Rossini debió marchar a casa, temeroso por su integridad física.

De aquél Teatro Argentina de Roma a este Teatro Avenida de Argentina hubo mucho que cambió pero la diferencia importante está en la actitud del público. La ovación fue pasional, latina, hasta podría decirse teatral. El abrazo al aire final de Noguera, con beso al escenario incluido ilustran la intensidad del final. Una puesta para ver más de una vez.
 

Fernando Johann

 
 
 
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