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En primera persona: Lautaro Vilo - Cabaña Suiza
En este En Primera Persona el dramaturgo y director Lautaro Vilo nos acerca algunas notas sobre su obra: Cabaña Suiza. Donde se explaya sobre los distintos momentos de creación de la obra, desde su creación, al trabajo con los actores, hasta el montaje.
 
 
 

23.agosto.2013

Cabaña Suiza es una obra con ¨una colección de historias cruzadas que suceden a fines de los 90, en una pequeña ciudad norpatagónica. Un padre que se ha grabado hablándole a su mujer muerta durante años, dos herederos de una fábrica de chocolate que tratan de hacer frente a la responsabilidad, un empleado un poco violento que no acepta un no como respuesta, una maestra jardinera que se enoja con facilidad, una madrastra que sueña con escapar, un amigo que vive de prestado y genera pasiones irrefrenables, una prima que justo viene a estudiar ingeniería eléctrica... Y todo sucede en el Valle que produce las mejores manzanas del mundo y dónde, de vez en cuando, un pozo de gas se prende fuego¨. 

La decisión de llevar adelante esta obra, partió de las ganas de montar una pequeña película sobre mis pagos en el teatro. Varios años atrás y por única vez en mi vida, había escrito algo que no llegaba a ser una obra contundente parado en la geografía del Comahue, que es la tierra en la que crecí. Más precisamente, la obra sucede en aquella zona conocida como el Alto Valle de Río Negro y Neuquén, de dónde surgieron las famosas manzanas. Dada la cantidad de espacios distintos que hay en la obra y los personajes para los que fue escrita, la obra se configuró como un relato coral donde los espacios cambian y se superponen a medida que los personajes se entrecruzan. Hay algunos personajes que tienen un mayor peso que otros, pero no es una obra con una línea de acción central, sino más bien un recorrido por una serie de peripecias de cada uno de los personajes a lo largo de una sola jornada. Es la primera obra que escribo con cambios de espacios, quizás un tanto entusiasmado por algunas traducciones y versiones de textos de Shakespeare que me tocó hacer en los últimos años (Rey Lear, Enrique IV segunda parte) y porque hace tiempo incursioné en la escritura de algunos guiones de cine, que me amigaron con esta enorme posibilidad de suspender la acción que sucede en un determinado ámbito y saltar a otro, donde “mientras tanto” a otros personajes les está sucediendo otra cosa (1). Y porque en definitiva, hablar del pago no era hablar de lugares cerrados; era hablar del espacio abierto y muchas veces desolado de la meseta, de la aridez y de lo difícil que es la vida en ése lugar, de la belleza del río y del extraño encanto de las bardas, del lugar donde de chico jugaba al western porque los lugares que veía en los sábados de súper-acción no diferían mucho de la enorme extensión de tierra que rodeaba la casa de mis abuelos, donde funcionaba una fábrica de ladrillos (Al menos en la imaginación de un niño que, cuando no estaba leyendo, jugaba mucho en soledad actuando una historia).

Durante un par de años tuve la obra en un cajón, no demasiado convencido de hacerla por la dificultad que suponía y porque, hay que decirlo, había que corregirla también. O mejor dicho: primero había que corregirla, luego había que convocar a un elenco de más de tres actores (yo nunca, como muchas obras del off, había superado esa medida como director), combinar las agendas y llevarla adelante. Pero bueno, lo que llama a la acción hay que escucharlo y a fines del año pasado me puse a corregirla. Como para llevar adelante los proyectos me sirve tomar las decisiones y trabar compromisos previos, convoqué a siete actores talentosos con los cuáles quería trabajar, todos con un trabajo sólido en sus espaldas y les pasé la obra. Les dije que la iba a corregir, pero que la esencia de la obra estaba ahí: estaba el paisaje, los cambios de espacio, las líneas fundamentales de acción y de entidad de los personajes... Los actores que finalmente fueron de la partida y que realizaron un trabajo enorme durante los meses de ensayo son: Paula Ransenberg, Valeria Correa, María Ucedo, María Abadi, Andrés Ciavaglia, Francisco Civit y Julián Calviño. Todos muy generosos en la disposición a ensayar y a los que había visto destacarse en distintas obras de este enorme panorama teatral. Con ése elenco entre manos, me puse a corregir a lo loco, metí unas cuatro versiones más entre diciembre del año pasado y marzo de éste. En el medio, convoqué a Gabriel Cabrera como productor, que con su experiencia resultó ser una pieza fundamental para llevar adelante el proyecto. (2)

Uno los aspectos que más trabajámos, dada la distinta procedencia de los miembros del elenco, fue encontrar un tono unificador de las distintas expresividades, de los distintos matices que cada uno de los actores podía aportar. Y uno de los elementos que me desveló durante los ensayos era cómo transmitir una sensación que para mí está presente en la obra que es la manera en la que la aridez del paisaje se mete en el corazón y en la cabeza de las personas que lo viven. Podríamos llamarla una sensación neuquina, una manera generada por el paisaje de transitar la frustración, la melancolía y el misterio que anida en los personajes de la obra. No fue simple encontrar los resortes de acción que contaran ese universo privado donde habitan los personajes ni transmitir una sensibilidad provinciana, desértica. Trabajamos mucho sobre eso y luego, cuando llegó la música de Adolfo Oddone, esos tremendos guitarrazos de Fender Jaguar que están al comienzo de la obra, el paisaje se desplegó ante nuestros ojos con la elocuencia que tiene la música  para ponerte en una atmósfera y clavarte una sensación en el cuerpo. A partir de encontrar estos resortes y jugar con ellos sobre el relato de la obra, encontramos que podíamos transformar un texto descriptivo en la expresión de una acción o de una incomodidad del personaje. Así apareció el tono de la obra.
Otro determinante del trabajo de la puesta fue el uso de un dispositivo escénico despojado, diseño de Jorge Ferrari, que en su ecuación sintética invita a que los espacios de la narración aparezcan a puro pulso actoral. A esto, se sumó la luz de Gonzalo Córdova, con la instalación de una luz de tubos fluorescentes (la quintaesencia de las estaciones de servicio – uno de los espacios de la obra-), una luz fría, seca, en una disposición que nos recordaba a los espacios súper-iluminados de la llanura patagónica. Cuando uno anda en auto por la ruta de noche, de pronto aparecen esos lamparones en la oscuridad, pozos de gas, centrales de electricidad, como naves enormes en el medio del desierto oscuro.

Este tipo de decisiones hacen que el trabajo recaiga principalmente en los actores. Como creo yo, invita el escenario de la sala grande del Teatro del Pueblo, que con su encuadre y su separación entre el patio de butacas y el escenario, exige un trabajo de claridad y elocuencia extremas. Afortunadamente, conté con el apoyo y el consejo de amigos y maestros quienes nos prestaron lugares para ensayar y luego tuvieron la generosidad de venir a ver algún ensayo cuando la cosa no tenía mucha forma todavía.

Una última cosa sobre el escenario en el que montamos el espectáculo. Me gustan mucho estos escenarios, tan teatrales, tan poco hogareños, por el desafío y la dificultad que comportan, porque son lugares donde la calidad en la emisión del actor y la potencia expresiva de los cuerpos son determinantes y donde el número de espectadores configura la existencia de un público que va más allá de las subjetividades de cada uno de los espectadores. Creo que, generacionalmente, estaría bueno que nos planteáramos seriamente volver a tomar este tipo de escenarios que están en la ciudad. Para mí, al menos, es vital.

Lautaro Vilo.

Notas:
(1) De hecho, hace un tiempo chicaneaba a mi compañero de escritura de guión –Guillermo Greco, un talentoso director de cine del que alguna película verán en poco tiempo- diciéndole que el cine, en realidad, lo había inventado Shakespeare, pero que en ése momento, no había tenido a mano la tecnología necesaria para rodarlo. Y que por eso, había inventado el teatro de la modernidad
(2) Es la primera vez que trabajo realizando primero con el productor, un diseño de producción. Para mí ha significado un cambio cualitativo a la hora de trabajar. Creo que es un área poco desarrollada en nuestro teatro independiente y que muchas veces genera una renguera en los proyectos, al menos en mi caso, en los proyectos que yo había dirigido sólo, lo había transitado de esa manera. En general, siempre había empezado primero a ensayar con la idea de que “luego se vería”. Acá, realmente creo que si no hubiéramos pautado varias cosas antes de empezar los ensayos, el trabajo hubiera sido imposible. De esta manera, cuando estábamos ensayando, pudimos concentrarnos más ordenadamente en los distintos problemas que iban surgiendo, en vez de sentir que estos se transformaban en una marea imposible. Esto es un aspecto del trabajo fáctico que aprendí llevando adelante este proyecto: para crear es mejor crearse las mejores condiciones posibles.

 
 
 
  Información  
 
 
 
TEATRO
Teatro del Pueblo
DIRECCIÓN
Av. Roque Sanezn Peña 943
TELEFONOS
4326-3606
WEB
http://www.teatrodelpueblo.org.ar
 
FUNCIONES
Viernes 21 hs.
LOCALIDADES
Estudiantes y jubilados $50
General $80
 
  Ficha Técnica  
 
 
 

Elenco: María Abadi - Julián Calviño - Andrés Ciavaglia - Francisco Civit - Valeria Correa - Paula Ransenberg - María Ucedo

Voces:Lautaro Vilo - Damián Canduci
Mùsica y Diseño sonoro: Adolfo Oddone
Diseño de Iluminación: Gonzalo Córdova
Diseño de Escenografía y Vestuario: Jorge Ferrari
Diseño gráfico: Mariana Rovito
Producción Ejecutiva: Gabriel Cabrera
Fotografía: Juan Agustín Flores
Grabación sonora: Diego Polischer
Operador de luces: Nayla Perisse
Asistente de Producciòn: Micaela Molina
Asistente de dirección: Ignacio Ansa
Texto y dirección: Lautaro Vilo

Temporada: 16/08/2013 al 30/10/2013
 
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