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Entrevista - Román Podolsky x4
Hablamos con el dramaturgo y director Román Podolsky sobre 4 de los 5 espectáculos que está actualmente dirigiendo, ellos son: La reina de Castelar; Prueba Contraria; MSU (Movimientos sin utilidad), y Medea del Olimar. Por Martin Dichiera
 
 
 

19.junio.2015

Martin Dichiera: ¨Prueba contraria¨ es una obra basada en “Hoje” de Tatá Amaral sobre la novela "Prova Contrária" de Fernando Bonassi ¿Cómo llegás a este proyecto, y cual fue tu primera impresión?
Roman Podolsky: Llego invitado por la productora de la obra, Baraka cine, que hace con éste proyecto su primera incursión en el teatro y por Mónica Benavidez, su productora ejecutiva. Las actrices María Laura Cali y María Figueras estaban buscando un material para trabajar juntas y encontraron en esta obra la oportunidad.

M.D: ¿Cómo es la adaptación teatral, la cual estuvo a cargo de Daniel Veronese, Patricio Abadi y Mariano Saba?
R.P: Trasladar el material de la realidad brasileña a la nuestra no fue demasiado complejo dado que ese país también sufrió el terrorismo de estado y hay leyes para indemnizar a sus víctimas, como acá. La novedad que aportó este equipo de adaptadores encabezado por Veronese, es que transformaron en una pareja homosexual a la pareja protagónica, originalmente heterosexual. Aquí se trata de dos mujeres.

M.D: ¿Cómo fue el trabajo con los actores?
R.P: Muy intenso e interesante. Tratamos de evitar los esquematismos en los que muchas veces se puede caer al defender posiciones. Buscamos entender a los personajes sin juzgarlos. Dar con el tono justo implicó también optar por una expresividad lo más sugerente posible.

M.D: ¿De qué habla la obra?
R.P: Voy a enumerar, sin agotarlas, una serie de preguntas que nos surgieron al trabajar con el material: ¿Qué hace una sobreviviente del terrorismo de estado con la indemnización que ha recibido por el asesinato de un familiar o pareja? ¿Cómo hace uso de ese dinero? ¿Es una oportunidad o se transforma en un lastre difícil de llevar? ¿Cómo se elabora la inevitable culpa de seguir vivo? ¿Cómo se tramitan la memoria y el olvido? ¿Cómo se revisan ciertas rigideces propias del aparato de conducción de las organizaciones armadas de aquellos años? En ese sentido, ¿qué lugar le daban dichas organizaciones a ciertas elecciones individuales?

M.D: En el Cervantes, hace pocas semanas, estrenaste ¨La reina de Castelar¨ ¿Cómo y en qué momento nace la obra?
R.P: Surgió de una convocatoria, en 2013, a un conjunto de autores/directores para llevar a la escena las Novelas Ejemplares de Cervantes, con motivo de cumplirse los 400 años de su primera edición. La invitación consistía en escribir un texto dramático que acercara dichas novelas a un público contemporáneo. El ciclo culminaba con la presentación de cada uno de los trabajos en formato “work in progress”, en la Sala Luisa Vehil, del Teatro Nacional Cervantes. Allí sus autoridades vieron La reina de Castelar y decidieron programarla para su temporada oficial.

M.D: ¿Cómo fueron los primeros lineamientos con los que trabajaste?
R.P: Tomé la novela como si fuera el relato de alguien que me está contando su historia de vida. Utilizando procedimientos de la dramaturgia de actor, combiné ese relato con otros tomados de mi historia familiar y de la de mi madre. De esa articulación surgió la obra.

M.D: ¿De qué habla la obra?
R.P: Es una pregunta sobre el vínculo entre madre e hijo. Sobre como circula el amor allí. En la imposibilidad de ponerle palabras de manera absoluta. Habla en definitiva, del desencuentro estructural que subyace a todo vínculo y de las imágenes y las fantasías que ponemos en juego para intentar suturar esa grieta.

M.D: En el Celcit estás presentado ¨MSU (Movimientos sin utilidad)¨ el cual nace como un proyecto dentro del marco de uno de tus seminarios de dramaturgia del actor ¿Cómo fue coordinar dicho proyecto, y como fue el trabajo con los interpretes?
R.P: Fue y sigue siendo un trabajo apasionante. Lo que comenzó como otro trabajo de dramaturgia de actor se transformó en una investigación sobre el movimiento, sobre la presencia de los cuerpos en la escena más allá de la narración. Sus actores son: Miguel di Lemme, Mache Figini, Agustina Soler, Mariano Pérez de Villa, Luciana Carusso, David Brakin y Giampaolo Sama.

M.D: En ese espectáculo contás con la colaboración artistica y entrenamiento corporal de Eugenia Estevez ¿En qué momento la convocas, y como fue el trabajo con ella?
R.P: Promediando el proceso, me di cuenta que los procedimientos que venía utilizando me llevaban a resoluciones conocidas, transitadas. Quería empujar el trabajo más allá de mis límites, forzar un camino diferente. Allí surge la posibilidad de contar con Eugenia y su aporte desde el lenguaje de la danza y el movimiento. Ella nos entregó claves para que los cuerpos encontraran un funcionamiento orgánico alternativo a la tarea de servir de meros soportes de la narración de una historia.

M.D: ¿Con que se encontrará el público al ver esta obra?
R.P: Con un paisaje onírico, la revelación de un mundo en el que lo subjetivo y lo objetivo se entremezclan. Una sucesión de imágenes en la que las cosas se repiten y varían sin intentar resolver un conflicto, sin ceder a los principios convencionales del drama. Cuerpos en el espacio, poniendo en juego una variedad de estados e intensidades.

M.D: Por último, el año pasado estrenaste ¨Medea del Olimar¨ en el marco del Festival Europa + America ¿Cómo llegas a esta obra?
R.P: Me la hizo llegar Matías Umpierrez, curador del festival, quien me aseguró que era un material para mi. Y si bien al principio fue un tanto extraño, el proceso de ensayos e investigación, me permitió apropiármelo.

M.D: La pieza cuenta con dramaturgia de Mariana Percovich ¿Qué es lo que más te interesó de esta obra?
R.P: La visión de una Medea sin furor, una Medea contemporánea, cuyas reivindicaciones siguen vigentes pero se encuentran condicionadas por la magnitud de la opresión que ejerce el poder patriarcal. Por otro lado, al agregar al personaje de Jasón, que en el original no está, se me presentó la oportunidad de pensar el rol de los hombres desde un lugar alternativo al del ejercicio de la opresión. Me interesó poner en juego una posibilidad de escucha. Jasón escucha a Medea en esta versión. Es un gran trabajo de Pablo Finamore, que prácticamente no habla en la obra.

M.D: ¿Cómo fue la elección y el trabajo con los actores?
R.P: Fue un proceso complejo dar con el tono de la obra. Encontramos con Paula Brasca, actriz que encarna a Medea, un tono justo de distanciamiento, que hace posible abarcar la poética del texto de Percovich y sus resonancias trágicas, sin perder al mismo tiempo, el carácter campesino, humilde, que también hacen al personaje en esta particular versión.

M.D: ¿De qué habla la obra, y cuáles son los temas centrales?
R.P: La pregunta que pone en juego la obra es: ¿qué hacemos como sociedad ante los hechos de horror que ella misma genera y alimenta con sus desigualdades y violencias? ¿Con qué herramientas simbólicas podemos dar cuenta de ellos? Las mujeres son antes que nada víctimas sociales de ciertos mecanismos de poder muy arraigados en nuestra sociedad. ¿En qué medida se tiene en cuenta esto a la hora de juzgar? Por supuesto que nadie está de acuerdo con matar un hijo. Pero en la culpabilización automática, se purgan una infinidad de cuestiones y responsabilidades que exceden en mucho la mera subjetividad y tienen una causalidad social.


Román Podolsky presenta de jueves a domingos ¨La reina de Castelar¨ en el Teatro Nacional Cervantes, ¨Prueba contraria¨ los sabados a las 23hs en Teatro Fuga Cabrera, mientras que ¨MSU (Movimientos sin utilidad)¨ tiene funciones los domingos a las 19hs en el Celcit, ¨Medea del Olimar¨ se presenta los jueves a las 21:30hs en El Camarín de las musas, y finalmente, hace pocos días se reestrenó la obra ¨Alacrán o la ceremonia¨ de José Antonio Lucia en el Teatro del Abasto.

Martin Dichiera
En twitter @MartinDichiera

 
 
 
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