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Pablo Rotemberg – Paso a Paso
Entrevistamos al coreógrafo, intérprete y director Pablo Rotemberg, quien nos contó cómo fueron sus inicios, y los puntos más sobresalientes de su carrera hasta el presente en este PASO A PASO. Por Martin Dichiera
 
 
 

Pablo Rotemberg es bailarín, coreógrafo, director, músico y guionista de cine,  se egresó en el Conservatorio Nacional de Música y en la FUC (Fundación Universidad del Cine)

Se formó en danza y teatro con reconocidos maestros en Argentina, Francia, Bélgica y Estados Unidos, entre ellos: Cristina Barnils, Gloria Kazda, Renate Schottelius, Julyen Hamilton, Mark Haim, Kirstie Simson, Wim Vandekeybus, Ricardo Bartís y Gabriel Chamé.

Creó los espectáculos: El lobo (que participó en el IV Festival Argentino de Danza, VI FIBA,  el XXVI Festival Internacional de Danza Contemporánea Lila López  y el III Festival Buenos Aires Danza Contemporánea, entre otros)  Bajo la luna de Egipto; Nada te turbe, nada te espante; La noche más negra y La Casa del diablo (ambas para el Ballet Contemporáneo del Teatro General San Martín),  La idea fija, y Las Vírgenes, entre otras.


INICIOS
Tuviste una formación muy ecléctica, tu primer contacto con lo artístico fue con el piano, de hecho te egresaste en el Conservatorio ¿Qué es lo que te dejo esa formación?
Para la generación mía la formación ecléctica no era tan habitual, yo lo que veo ahora en alumnos es que no es tan inusual, y hay algo más común que las personas que se dedican a las artes escénicas tengan una formación más amplia, que es mejor, tenes tu disciplina principal, pero también tenes conocimiento de otras áreas. En mi caso la música fue el primer vinculo que tuve con lo artístico, tenía una tía que era pianista, y por eso empecé a estudiar piano, a eso de los 6, hasta los 17, me iba a estudiar a la Julliard, que entre, no era mal pianista, pero un mes antes de irme, tuve una crisis, que estuvo bien, en el sentido, que me di cuenta que no quería ser pianista, sino que estaba cumpliendo con estos mandatos familiares,
Y de ahí, pasaste al cine.
Cuando deje el piano empecé a estudiar cine, en la Universidad de Cine, era algo que siempre me había gustado de chico, como hobby - con mi papa que era muy cinéfilo e íbamos siempre al cine - pensé que me gustaba como profesión, pero tampoco me gustaba como profesión, asique hice la carrera, me recibí de guionista, pero nunca trabaje en nada, y ahí me di cuenta que me gusta escribir – si bien escribo como amateur – hasta ahora en mis obras cuando necesito un texto los escribo yo
¿Cómo llegas a estudiar con Bartis?
Cuando empecé a estudiar en la FUC, empecé a estudiar también en lo de Bartis por una amiga mía, yo nunca había hecho teatro, en ese momento las clases de principiantes las daba Soledad Villamil, y yo era como el típico músico aparato, muy tímido, muy cerrado, había tenido una adolescencia muy freak, todo el día tocando el piano, no salía mucho, y lo del teatro era para mí una experiencia para ir a probar, pero mi sensación era que me iba a morir de pánico, de miedo cuando tenía que hacer algo frente al público. Y me acuerdo la primer clase, ahí me acuerdo cuando hice una ejercicio me di cuenta ¨esto me gusta¨, la exposición, y algo en lo físico supongo, en ese momento quizás yo pensé que iba a ser actor, pero que también estaba el cuerpo en escena que me gusto.
En varias entrevistas dijiste que Bartis fue muy importante para vos ¿Por qué?
Yo hice el primer año con Soledad, después el segundo con María Onetto, y recién el tercer año con Bartis, para mí él fue una figura muy importante, sin que lo sepa, porque en cierto modo y me hizo darme cuenta que el teatro no era para mí, sino que lo mío era la danza… porque también cuando yo estaba tomando clases con él una amiga me dijo ¨porque no vas a tomar clases de estiramiento y de ballet¨ y fui a lo de Luis Baldasarre, y él fue mi primer maestro de Ballet, y después tomé clases de Graham con Cristina Barnes, y ahí empecé, quería también entrar al Ballet del San Martin, pero ya no me daba la edad – yo ya tenía 20 – y empecé a tomar clases a lo loco de Danza, y en un momento deje de tomar clases de teatro, y por tres años seguí estudiando más que nada… y en esa época había menos varones, y el varón en general enseguida puede empezar a bailar, lamentablemente para las mujeres es más difícil, muchas veces son mejores bailarines, o tienen mejor técnica, pero varones son pocos, mi primer obra la hice con Valeria Kovadloff como interprete en la Capilla en el Centro Cultural Recoleta, trabaje unos años como interprete, hasta que en 2005 hice El Lobo.

EL LOBO:
El Lobo dejo una marca importante en tu carrera ¿Cómo recordás ese espectáculo? ¿Cuál es la importancia de esa obra?
La hicimos de 2005 a 2008, para mi estuvo buenísimo el ciclo ese, y todavía en el circuito que yo me muevo de la danza, de hecho es una obra que todavía se recuerda. Ahí se me abrió algo, me empezó a interesar la coreografía y la dirección más que ser interprete, porque me permitía en el lugar mío como creador de la obra, me permite trabajar los materiales del modo que yo quiero, y para mi compensar, porque al empezar más tarde a bailar, había algo que en el entrenamiento no tenía… empecé a poder pensar, de las cosas que hice, como que puedo unir, que puedo armar con eso.
La obra se presentó en un momento donde la danza contemporánea en el circuito off tuvo bastante relevancia
Para mí la danza, de cuando yo hice El Lobo, que hace casi 10 años, está mucho mejor, yo el otro día hablaba con alguien y le decía, medio en chiste ¨la danza no existe¨, pero en sentido metafórico, a nivel institucional, la danza es la más desvalida, es la menos reconocida, no te diría la más sacrificada, pero que exige mucho sacrificio sobre todo en los bailarines, pero creo que a pesar de todas esas contras, creo que ha habido una evolución, obras como El Lobo, y también estaba la obra de Diana Szeinblum ¨Secreto en Malibú¨, la trayectoria del Grupo Krapp, ¨Llueve¨ de Gabriela Prado y Eugenia Estévez, fueron obras que - no importa mucho para mí la discusión sobre la calidad del trabajo – pero que en el contexto de lucha para mí de lo que significa hacer una obra de danza, el esfuerzo que implica, el poco apoyo que existe, y lo que le cuesta a uno, el bailarín tiene que estar entrenado, son obras que hay que reconocer eso, que está bueno, que fueron generando focos de atención en el público, aunque sea el público pequeño del teatro off, pero que generaron un revelarse más de la danza.

LA IDEA FIJA:
¿Cómo nace La Idea Fija? Muchas veces se hace demasiado hincapié en lo sexual, pero no creo que sea realmente ese el foco de la obra ¿vos como analizas el espectáculo?
La obra tiene que ver con lo sexual, pero no pasa por ahí, y lo que uno ve está muy estilizado.
Para mi hay mucho temas que están muy saturados, primero nosotros íbamos a trabajar sobre el suicidio, pero en el fondo es mentira, yo no sé mucho que vamos a hacer, no soy un coreógrafo que quizá tenes una idea, o sos más intelectual, o tenés una idea más fuerte. La idea fija salió un poco de ese lugar del azar, lo del suicidio fue porque en los primeros ensayos tenía que ir con algo, y si sos el bailarín y yo te digo: ¨no sé, veamos que hacemos¨ no te vas a sentir muy entusiasmado, ensayamos como 2 meses sobre el suicido con algunas consignas, y un día eso ya colapsó, y se ve que se me unió algo que había hecho en El Lobo que era el desnudo, que yo a priori no tenía interés en trabajar cuerpos desnudos en escena, pero apareció esa idea ese día, me re acuerdo de ese ensayo, y me acuerdo que les dije a los chicos, nos pusimos todos en bola, y de golpe vi que esa situación que no me interesaba, que el desnudo en la danza me produce hastío, me parece algo súper cliché también, que está ligado a la belleza del cuerpo, que a mí no me interesa lo bello en ese sentido, pero en ese momento, la luz baja, todos en bolas, apareció algo más sórdido del cuerpo, y para mi después, más cercana a este mundo de lo vulgar, de lo pornográfico (aunque la obra no es ni a palos pornográfica porque no hay sexo, ni nada por el estilo, está todo muy estilizado, y es muy pacato si queres en relación a otras cosas que uno puede ver) apareció una idea de cuerpos vulgares y cotidianos, y carnales, no unos cuerpos objetos… audaces en cuanto a audacia, si audaz llamamos a mostrar, yo he visto acá y en Europa, y en video en internet, 20 cosas más audaces en relación a que las obras sobre la sexualidad tienen que ver con mostrar o ser más explicitas, me parece que no pasa por ahí, pasar por la carnalidad de los cuerpos, y por un trinomio que es el sexo, violencia y soledad, y que creo que el más importante, y creo que internamente lo que me parece más profundo de la obra es como algo que tiene que ver con la soledad. Y que entonces La idea fija, nació desde el suicidio, empezamos a ponernos en bolas, hasta donde llegamos con el que ¨hagamos que garchamos¨, la violencia como lo estilizamos, y finalmente, lo que queda para mi más descarnado, es la soledad, y los vínculos sexuales, y ni hablar los vínculos de violencia de los cuerpos que revelan que estamos solos, que el momento de la unión con el otro sexualmente es el momento de la soledad digamos, y por eso para mí fue interesante, en un momento, poner el texto, que si bien la mujer que habla es una especie de loca que habla sobre experiencias sexuales tremendas que ha vivida, y con un lenguaje muy vulgar, en el fondo para mi ella no representa lo que tiene que ver con la mujer, sino con lo femenino, en la mujer y en el hombre, que es la búsqueda del amor, lo que habla es del amor, que lo que todos queremos es que nos amen y amar, y que en general, no digo que la vida es así, pero lo que un poco yo creo que me gusta mostrar, es que eso no existe, que es una fantasía, y que lo que pasa es que siempre vamos a estar solos, o con alguien que nos maltrate, me parece que ese es el mundo, y creo que eso es la obra, lo otro es la forma.

LAS VIRGENES
Las Vírgenes es un Proyecto de Graduación del IUNA de Artes Dramáticas ¿Cuál fue tu primer reacción cuando te convocaron? ¿Cómo fue el primer encuentro con estos actores/estudiantes que no conocías previamente?
Lo que hay que hacer es un proceso, y una obra, donde se van a hacer 8 funciones. Empezamos a laburar, y me acuerdo perfectamente del primer ensayo, ellos eran 22, y de los cuales al día del estreno quedaron como 20, porque se fueron 3 o 4… Yo en el primer ensayo, como en La idea fija, no tenía la menor idea de nada, lo que me pasó en relación a ellos, sentía como no eran bailarines, había un lugar donde yo me sentía menos presionado en relación a lo que yo tenía que trabajar, el movimiento básicamente… había que entrenar esos cuerpos casi desde cero, algunos no porque tenían entrenamiento, algunos tenían condiciones naturales, pero otros que no. A mí me gusta mucho la docencia, y dar clases, y era también un proceso docente, ensayamos 3 días, después 4, y después más, y el proceso fue muy interesante, porque cuando llegamos al día del estreno, de la muestra del proyecto, yo creo que dos días con Josefina Gorostiza que era mi asistente del proyecto, me acuerdo que nos miramos y dijimos:  ¨no, va a ser una muestra, pero no, lo que se va a ver no es lo que pensamos que se va ver¨ pero creo que al día siguiente hicimos una pasada mucho más informal, y de golpe yo estaba muy feliz, porque hay un momento que el intérprete hace un clic, y se hizo un clic grupal en relación a que se entendió todo lo que habíamos trabajado desde mayo, y cómo había que hacerlo, y la actitud, y cómo hacer, y para mi estuvo buenísimo, por eso decidimos reponerlo este año, porque lo que sentí es que era una obra… a mí me encanta, no sé si porque estoy encariñado con el proceso que hubo como docente de meses en el entrenamiento que no tenía que ver con el montaje, lo que siento que tiene la obra, y que ellos les ponen, que como algo que quizá no está en esos cuerpos en relación con el entrenamiento, está en relación a una pasión juvenil, y a una entrega, me acuerdo que el día del estreno y la última función del año pasado, terminó la obra, y sentir ¨uff¨, y no porque la obra sea ¨uy mirá que maravillosa¨ es más por la entrega y la pasión.

¿Cómo surgió Las Vírgenes? ¿Cuáles fueron las primeras ideas para trabajar?
El proceso coincidió con el proceso de creación de ¨La casa del diablo¨ que hice para el Ballet Contemporáneo del San Martin, y lo que quería hacer era la misma obra, que era para bailarines híper virtuosos, entonces pensé: hagamos la obra pero para chicos que son actores que la mayoría nunca entrenó nada, y un poco partimos de esa idea, tomamos la música, muchos de los temas son los mismo que ¨La casa del diablo¨, algunos de los movimientos también fueron tomados de lo que estaba creados para el ballet, pero la obra no es nada que ver, es claramente otra obra, pero nacida de esa anterior, yo creo que uno siempre tiene miedo a repetirse, a lo original, a la opinión, yo no sé cómo hace la gente grosa, que admiro como creadores como Bartis o Pina Bausch, pero creo que uno tiene que o dar un golpe de volante sumamente drástico, o uno tiene que seguir en esa cosa que parece que uno se repite pero insistir a ver hasta donde va.

¿Qué es lo que más te atrae de este espectáculo?
Creo que lo más interesante es la búsqueda de algo esencial, que es algo que a mí me interesa, y esta danza, es algo despojado ¿Cómo lograr que un cuerpo que no está entrenado, pueda expresar? ¿Cómo lograr que esos cuerpos ¨vírgenes¨ de la danza, se sostengan en escena y puedan trasmitir? Yo creo que eso se logró, no tienen los vicios de la danza, no tienen la forma, no tienen los códigos, entonces lo que lo que uno ve es que el movimiento es autosuficiente, y que el movimiento narra, pero no en el sentido tradicional, sino que un cuerpo en movimiento es una declaración de algo en escena y eso para mí es lo más interesante de este proceso, ver ese mundo más primitivo, más esencial, y ver eso que yo creo que es lo más interesante del movimiento, y que no se necesita la palabra - si bien hay monólogos, y creía que si ellos son actores, se tenían que utilizar esos recursos - pero yo creo en el movimiento per se, y acá era una prueba para probar el movimiento per se de gente que no es bailarina ¿se puede hacer una obra de danza o de movimiento que no son bailarines profesionales? Y para mi si, con las limitaciones que tenga el trabajo… y cuando las funciones ellos están colocados se logra algo que para mí es muy intenso, y que tiene que ver también con su inocencia respecto a la danza, y hay algo ahí, en un sentido primitivo, y también naif, del que no está del todo consiente de lo que hace pero lo hace al límite de sus posibilidades, y cuando pasa, la obra funciona.

¿Cómo definirías tu ¨estilo¨ como coreógrafo y director? ¿Cuál sería tu ¨marca¨?
La idea del estilo es algo que me intriga, la marca de uno, y tiene el riego que la marca ¨es la marca¨ y el que lo ve se aburre, o que no, que va mutando de obra a obra pero que está.
Creo que la danza tiene que ver con el movimiento,  y con el cuerpo, y me gustaría que la marca de lo que yo haga, uno lo reconozca en los cuerpos cuando están en escena, y creo que ahí hay algo que se ve, una especie de manera mía, que ahora que no estoy bailando, que se la puedo pasar a los demás, y que es la que me interesa, yo tengo lo que me atrae y lo que no me atrae, y tengo una ilusión de cierto lenguaje que es propio.

 
 
 
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