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Puto - Crítica
Mujeres con daga en la liga: peligrosas, atrapantes, seductoras, revolucionarias. Alejandro Mateo, director de Puto, nos propone desnaturalizar lo naturalizado. Critica de Silvina Bernabé
 
 
 

¿Qué es ser puto hoy?, ¿qué significó ser puto en la Argentina de los años 40?, ¿y en los 70? Al plantearnos estos interrogantes no podemos dejar de pensar en las múltiples esferas de uso del vocablo puto: entre adolescentes como un saludo cariñoso (“¡qué hacés puto!”), como un insulto, en una polémica canción de Molotov, como sinónimo de cobarde (“marica”) o en algún despreciable discurso homofóbico. En esta obra dirigida por Alejandro Mateo, el ser puto se ubica a una distancia considerable del estereotipo abordado habitualmente (el brillo, las plumas, la vedette) una distancia que permite una mirada crítica y consciente de los diversos discursos y entidades de poder que atraviesan esta cuestión. Las reflexiones de Michel Foucault entorno a la sexualidad son un intertexto fundamental en esta pieza: vemos en escena de qué manera el poder interfiere en la sexualidad: la define, la diagnostica, la describe y la ubica en un espacio determinado: “Siempre tenemos que andar cuidándonos, o es la cana, o es la sífilis o es un médico”, dice una de ellas, quejándose, con palpables ansias de libertad. Ser puto es también ser “incorregible” desde el discurso policial o “ser tan pizpiretas, tan dementes” tal como lo expresa el gran Perlongher.

Desde la oscuridad comienzan a perfilarse sus cuerpos y sus voces, conversaciones y tareas cotidianas de este grupo tan particular de “ladrones de poca monta, pero travestis”, así es como las define Alejandro Mateo. Esta historia de la banda de travestis delincuentes se enciende en el director a partir de la lectura de fuentes tales como artículos periodísticos y un expediente policial. A partir de esta idea germinal y ricas referencias intertextuales se logra una obra que se arriesga a reflexionar no sólo desde la palabra sino también a partir de los diferentes elementos que componen puesta, asistimos a una obra que no hipnotiza con destellos de color prefabricados sino que nos coloca, como espectadores, en una posición activa, llamándonos a la intervención crítica.

Uno de los elementos de la puesta que nos llama la atención es el vestuario y la caracterización de los personajes: todas llevan vestidos negros, zapatos de vestir masculinos, algún collar de perlas sobrio, cabellos prolijamente engominados. Existe un hibrido entre lo femenino y lo masculino, como si se presentaran en estado de transición, desnaturalizando sus cuerpos. Son cuerpos marcados, limitados, que sólo en el ámbito de la fantasía -como cuando cantan o se unen para dar rienda suelta a su imaginación- o cuando se van a “la calle” expresan su femineidad más acentuadamente. Los espacios que abren tanto la fantasía como la calle les permiten exponerse como mujeres, y es en esos momentos cuando las vemos más seductoras y en sus pies aparecen tacos aguja imaginarios. En contraposición, los espacios de limitación serán claramente la institución familiar, los recuerdos del paso por la escolaridad, el poder policial, el discurso de la medicina: ámbitos donde las llamadas “desviaciones sexuales” serán cuestionadas como antinaturales y vinculadas rápidamente al delito. El diseño escenográfico plantea un primer plano con tres mesas largas y bancos, imagen que nos remite a comedores carcelarios, escolares o fabriles, lugares donde, en palabras de Foucault: “los cuerpos son dóciles”. En este primer plano se plantearán los conflictos entre los diversos discursos hegemónicos y ellas, que perturban y acechan como un mal, fantaseando libertad en medio de este dispositivo. El fondo del escenario es visible a través de dos aberturas principales: allí, en el fondo, entre algunas sillas dispersas estarán en el inicio de la obra, bailando, seduciendo al ritmo de un tango. El lugar central donde se desarrolla la obra, este primer plano con mesas largas, es visible a la vez desde el espacio del fondo del escenario y desde el espacio asignado al público, atravesado por múltiples miradas, un espacio que se proyecta al interior y al exterior.

También es fundamental destacar la labor actoral de cada uno de los integrantes del equipo, cada uno genera momentos emotivos, como la escena en que se desnudan física y emotivamente para dar cuenta de una parte de su mundo, de su pequeña historia, de cómo fue y como es ser puto. En varios momentos de la obra los actores encarnan otros personajes, las voces que juzgan, de esta forma pasan del opresor al oprimido y viceversa, y lo hacen mediante un  trabajo concentrado exclusivamente en lo actoral, sin ayuda de recursos artificiales. Aparecerá también la figura de la madre, una madre de coraje, con miedos pero con un amor incondicional hacia su hijo. Las cinco protagonistas, bautizadas y rebautizadas entre ellas hasta el cansancio, buscando el mejor nombre, están en medio de una lucha por despojarse del 
peso del teatro masculino” tal como describe Pedro Lemebel al acartonado exceso de virilidad producido en serie y consumido masivamente. 

 

Silvina Bernabé
silvina@geoteatral.com.ar

 
 
 
  Información  
 
 
 
TEATRO
Teatro Payró
DIRECCIÓN
San Martin 766
TELEFONOS
4312-5922
WEB
 
FUNCIONES
Sabado 23:00 hs.
LOCALIDADES
Desde $40
 
  Ficha Técnica  
 
 
 

 

ELENCO: Mariano Caligaris - Rafael Lavin - Nicolás Mateo - Enzo Ordeig - Walter Rosenzwit
Dramaturgia y Dirección: Alejandro Mateo

 

Temporada: 23/04/2011 al 25/06/2011
 
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