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Werther BAL - Critica
En el Teatro Avenida, Buenos Aires Lírica se propone un desafío nuevamente. Mostrar la cara menos agradable del amor. Werther, de Jules Massenet. Con la dirección de Pedro-Pablo Prudencio y la puesta de Crystal Manich
 
 
 

La compañía Buenos Aires Lírica vuelve a poner sobre un escenario porteño una de las obras más exitosas del compositor francés Jules Massenet. Werther, ópera en cuatro actos basada en la novela epistolar con el mismo protagonista, no es exactamente una historia fácil en lo que al género respecta. Lejos del lugar de ópera cómica, la pieza que nos ocupa luchó para encontrar su lugar en el mundo, al punto que su estreno no fue en su idioma francés original, ya que encontró nido para su primer representación en Vienna y para eso, hubo que traducirla al alemán 

La historia tiene una necesidad de pacto poético total para poder disfrutarla. La concesión a realizar descansa en la misma materia que sostiene aquello de que cuando uno es adolescente recuerda cosas (poemas, canciones, aventuras) que en momentos de mayor adultez se retienen de manera caprichosa, resistente, permanecen en la memoria como parte de nuestra identidad. Eso a pesar de la supuesta inutilidad de estos contenidos una vez que nos convertimos en una honrada y respetada parte de la sociedad.

Es necesario aceptar, para poder vivir a Werther, que la primera adultez o la adolescencia como prefieren llamarla algunos, da espacios a que frente a diferentes emocionalidades se nos permita desmayarse, atreverse, estar furioso, áspero, tierno, liberal, esquivo; y esto conforme de alguna manera el ADN de esos años tumultuosos.

Cuando Johann Wolfgang von Goethe publicó en 1774 “Las Tribulaciones del Joven Werther” (no es la traducción más aceptada pero si la que más me gusta), no podía ya resguardarse bajo la capa protectora que significa la inexperiencia del primer amor. El poeta tenía ya 25 años pero podríamos estar siendo injustos. Su edad no impidió  (imposible impedirlo) que al no hallar fuera del bien centro y reposo, el poeta viviera la montaña rusa de mostrarse alegre, triste, humilde, altivo y convirtiera todo esto finalmente en la novela que pasaría a la historia por ser al mismo tiempo una de las novelas más influyentes de la literatura del romanticismo y el motivo de una oleada de homicidios por amor que de alguna manera u otra se repitió y copió ininterrumpidamente hasta nuestros días.
Cuando el músico tomó el libro para convertirlo en la ópera que nos ofrece Buenos Aires Lírica en el Teatro Avenida el argumento era ya en parte leyenda.
Más material de filosofía psicoanalítica que un un recorrido por las emociones del propio Werther sintiéndose enojado, valiente, fugitivo, satisfecho, ofendido, receloso; la ópera con música de Jules Massenet y libreto de  Blau, Milliet y Hartmann muestra a un joven sufriendo por amor, pero con poco de la intensidad característica.

La música compuesta tiene una complejidad que, al menos desde lo teórico, tiene los elementos para creer que el cielo en un infierno cabe. Responsable por este resultado, el maestro Pedro-Pablo Prudencio llevó adelante una orquesta que tuvo algunos problemas con los ataques en las cuerdas y los vientos. El despliegue de instrumentos necesarios para esta pieza no facilitó la labor del director chileno. A lo largo de la función la evolución del ensamble fue siempre mejor que los inicios y los finales.

Las voces dejaron más que conformes a la platea en la noche del viernes 31 de Julio, con algún aplauso adicional para María Laura Sangiorgio en su papel de Sophie.
El tenor en la piel del joven Werther (Gustavo López Manzitti) impresionó con su caudal y prolijidad. Lo logrado por Manzitti es particularmente difícil de conseguir en la sala del Avenida y esto hay que destacarlo. El estilo en la expresión dramática sin embargo, con un vibrato complejo y amplio alimentó la charla del intervalo entre los presentes. Florencia Machado (Charlotte) y Norberto Marcos (Albert) fueron correctos en todo momento con pasajes muy interesantes, en particular Machado, en el tercer acto durante la escena de las cartas.
El coro de niños es siempre un riesgo y un trabajo exigente del que este cronista considera la compañía sale airosa, con intervenciones prolijas y carisma en todos sus integrantes.

A pesar de lo dicho y con todo lo positivo, para un ambiente que requiere intensidad brutal y tensión contínua, los cantantes lejos estuvieron de hacer creer a la platea que entre ellos habìa quienes podían dar la vida y el alma a un desengaño.

Costó sumarse desde la butaca al ambiente propuesto en el escenario. La puesta tiene un devenir con el que toma trabajo empatizar, a pesar de lo eficiente del relato. La propuesta de Crystal Manich no logró vencer la barrera de la fantasìa que necesita este romanticismo.
El escenario funcionó de contenedor eficiente. La intención inicial de acompañar el paso del tiempo con la escenografía (la transición del verano al otoño fue muy delicada) se diluyó al sucederse los actos y sobre el final nos quedamos con los actores frente a una imagen rígida. Traslúcida pero rígida.

La elección casi isabelina de representar la sangre del final con un lienzo del color característico acerca el espíritu de la puesta al clamor interno que representa un amor romántico, correspondido, pero imposible. Trescientos años antes que Masenet y doscientos antes que Goethe, Lope de Vega inmortalizó en un poema la complejidad y la violencia de estos procesos del corazón humano y en su último verso nos ilustra con cuarenta caracteres y una potencia pocas veces alcanzada lo que puede servir para finalizar sin alarde pero con la potencia de la música: “¡esto es amor! quien lo probó lo sabe”.

Fernando Johann

 
 
 
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